中屋敷 智生 個展

明日ま、た明日また明、日と時は小きざ、みな足、取りで一、日一、日を歩む

To-morrow andto-morrow-and tomorrow, Creeps inthis petty-pace from-day today

　
会　場：KOKI ARTS
会　期：2023年5月13日(土) – 6月10日(土)
時　間：12:00-19:00

休廊日：日・月・火・祝
場　所：〒101-0031　東京都千代田区東神田1-15-2 ローズビル1F

W  E  B：http://www.kokiarts.com

T   E   L：03-3865-8650

主　催：KOKI ARTS

オープニングレセプション：5月13日(土) 18:00 – 20:00

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　2023年5月13日（土）から6月10日（土）まで、KOKI ARTS (東京) にて中屋敷智生の個展「明日ま、た明、日また明日と小きざ、みな足、取りで一、日一、日を歩む」を開催させていただく運びとなりました。

なお、今回の展覧会に併せて中屋敷智生の作品集 (冊子) を新調いたしました。テキストは豊田市美術館・学芸員の千葉真智子さんにご執筆いただきました。ぜひ本展と併せてご覧ください。

​また、5月13日(土) 18時からは、オープニングレセプションを催します。

皆さまお誘い合わせのうえ、ぜひご参加いただけますようご案内申し上げます。

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​■ ​ギャラリー・インビテーション：KOKI ARTS

　中屋敷は、近年、マスキングテープを絵の具と同様に「画材・メディウム」として使用しており、コラージュや切り絵を思わせる独特なレイヤーやテクスチャーの絵画作品を多く制作しています。マスキングテープは、時に線として、時に色面として、また物理的なレイヤーとして画面に定着します。絵の具とマスキングテープ、剥離、透過、余白、それらがキャンバスの上で渾然一体となることで、図と地の関係が不明瞭となり、我々の網膜像に映し出される視覚認識（知覚、直感、思考）がいかに不確かで危ういものかが顕在化されます。

是非、この機会にご高覧くださいませ。

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■ ステートメント：中屋敷 智生

　混迷を極めるこの時代、宗教や戦争、コロナの問題など、世界中に数多ある真実に本当の正解などあるのだろうか。

わたしたちが認識している概念やモノの見方、とらえ方は全てフィクションなのかもしれない。そのような構造的真実やフィクションをも清濁併せ呑む絵画の可能性を模索していた折、キャンバスに貼ったマスキングテープを剥がさずに残すという、取るに足らない試みをおこなってみた。テープが貼り残された画面には、物理的なレイヤーと絵具のイリュージョンとが表裏一体となった不確かな世界のほころびが確かに存在していた。

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​■ テキスト：千葉 真智子（豊田市美術館 学芸員）

「奔放にして触れる絵」

　躊躇するくらいならば奔放に、できる限りのことを試してみる。中屋敷の心持ちをこういってみたら言い過ぎだろうか。とはいえ、ここ数年の作品からそうした印象を受けるとしたら、彼の絵だとはっきり同定できる、大きな虹を画面に収めた一連の作品によって一つのスタイルを確立したにもかかわらず、そこから随分遠くまできたようにみえるからだろう。たゆたうような絵具の滲みを中心においたかつての作品は、一つの平面の広がりであり、私たちに茫漠とした果てのない空間を感じさせるものであった。それらは虹という圧倒的なものを中心にすることで、ある種の調和のとれた世界を構成していたといえるだろう。ところがいまは、この決まったモチーフにかわり、画面には具体的に形容できないような複数の形や絵を構成するための「要素」が入り込んでいる。そして、出来事が発生し続けているような、定まることのない動的な揺れが感じられるようになったのである。拡張していくようだった画面が分節化され、複層化され、明確な中心を持つことなく複数の空間が共存するようになったといったらいいだろうか。絵は絶え間なく私たちに訪れ、気を散らす。

　

　複雑な画面を作り出しているのは、中屋敷による様々な手技である。なかでも際立っているのがマスキングテープの使用だろう。画面の一部にマスキングを貼り付け、その上にさらに絵具をのせる。あえて透明度の高い絵具を使えば、色の向こうにマスキングの独特のテクスチャーが顕在化し、私たちは色と物質という別種のものが拮抗しながら積層しているのを実感することになる。あるいは画面上に同系色で、マスキングによる色面と薄い絵具の色面とを併置する。マスキングを透かして見える奥の色面と、絵具を透かして見える奥の色面が引き出す印象の差異は、私たちの知覚のチャンネルが多様で、その都度、無意識にチューニングしながら複数の情報を感受していることに気づかせるだろう。さらに絵具をのせたマスキングを一部剥がす。色面には自ずと制作以前に遡るゼロの地帯が出現し、しかもこのとき、ゼロの地帯を挟んで隣接する画面同士は、必ずしも同一平面にないような独立した場を形成している。そして、剥がしたマスキングを別の箇所に貼れば、ここにあった世界は瞬時に別の場所に転移する。いわば空間と時間が自在に往来し、一枚の絵のなかに共存するのである。

　線も絵具の扱いも形の選択も自在である。マスキングが絵筆の代わりに線となる。絞り出した絵具をそのままのせたように引かれた線。反対に、地の絵具を掻き出してできた線もある。フラットに塗った色面の上に、薄塗りで勢いのある筆をぐるぐると回転させる。あるいは、ぼてっと部分的に厚く塗る。描かれた形は、目にした事物や風景、出来事の記憶から引き出されているのだとしても、それ自体はむしろ描くためのトリガーであり、ガソリンのようなものなのだろう。

　

　こうして完成した作品を前に思う。よくもこの色にこの色を大胆に重ねたものだと。よくもこれほどラフに筆を走らせたりべったり塗ったり、違和を生じさせるものだと。そして、そう思いながらも一方で考える。中屋敷の絵が、ときにアブジェクションへと限りなく接近しながらもギリギリのところで破綻を免れているのは、理性によるところなのか、呼吸を置きつつ探られているせいなのかと。

　私たちの知覚は千差万別である。だからこそ中屋敷は、様々な知覚の可能性を刺激するように複数の要素を一枚の絵に共存させるのだろう。絵がわたしたちの感情に触れ、諸感覚に介入してくる。その感受性の幅こそが人間の面白さであり、絵の面白さはここにあると言わんばかりに。

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​■ 画像

Boa / 2023 / 油彩、アクリル、​ソリッドマーカー、テープ、キャンバス / 414×274mm

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Tomonari Nakayashiki

To-morrow andto-morrow-and tomorrow, Creeps inthis petty-pace from-day today

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KOKI ARTS is pleased to announce To-morrow andto-morrow-and tomorrow, Creeps inthis petty-pace from-day today, a solo exhibition by Tomonari Nakayashiki. This exhibition, showcasing 11 paintings, will be the third solo exhibition (first in five years) of works by Tomonari Nakayashiki at the gallery.

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In recent years, Nakayashiki has been using masking tape as a "material/medium" in his paintings, similar to the way paint is used, creating unique layered and textured works that are suggestive of collages or paper cutouts. The masking tape sometimes becomes a line or a color plane, and can also be a physical layer on the canvas. When the paint, masking tape, peeling, transparency of the medium, and space on the canvas is in complete harmony, the relationship between figure and ground becomes blurred, and the inaccuracy and fragility of our visual recognition (perception, intuition, conception) become manifest.

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TOMONARI NAKAYASHIKI (b.1977) graduated from Kyoto Seika University in 2000. Based in Kyoto, his work has been exhibited extensively in both Japan and abroad. He has also been engaged in numerous events as he has founded DRIBBLE, a series of exhibitions rethinking painting with other artists, and the artist-run space "Alt Space POST". Recent exhibitions include Masking Effect (EUREKA, Fukuoka, 2022), Walking - To walk is to wander, to think, to grow to know - (Galerie Miyawaki, Kyoto, 2022) Kaleidoscope (YIRI ARTS, Taipei, 2021), Art Collaboration Kyoto 2021 (Kyoto International Conference Center, Kyoto, 2021), Dialogue Again - Korea-Japan International Exchange Exhibition (Schema Art Museum, Cheongju, 2021), Walking - An Intersection of Sensation and Thinking - (Musashino Art University, Tokyo, 2021) Perpetual Perspectives (KOKI ARTS, Tokyo, 2018), A.S.K – 7 Artists (ART OFFICE OZASA, Kyoto, 2018), and Identity XIV - curated by Mizuki Endo - Horizon Effect(nca | nichido contemporary art, Tokyo, 2018).

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Artist Statement: Tomonari Nakayashiki

In this time of confusion, with issues such as religion, war, and COVID-19, it's hard to determine what the true answer is among the many truths that exist throughout the world. 
Our concepts, perspectives, and ways of viewing things may all be fiction. While exploring the possibility of a painting that embraces both structural truth and fiction, I attempted a trivial experiment of leaving the masking tape on the canvas instead of peeling it off. On the surface where the tape remained, there existed a fraying of an uncertain world where the physical layers and the illusions of paint had become inseparable.

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Text: Machiko Chiba "Curator, Toyota Municipal Museum of Art"

"Painting that is both uninhibited and touching"

　“Rather than hesitating, try everything I can uninhibitedly.” Would this be overstating Nakayashiki’s attitude? In any case, if I get this impression from his works of the past few years, it’s because despite having established a painting style that is recognizably his own, with his series of large rainbow images, he seems to have come a long way from this. His earlier works, centering on fluctuating blotches of paint, are like the expanse of a single plane, giving us a sense of a vague, endless space. By being centered on the overwhelming object of the rainbow, they could be said to constitute a kind of harmonious world. Now instead of this fixed motif however, the images are composed of multiple shapes and 'elements' that can’t be concretely described. An indefinite dynamic oscillation can now be felt, as if events are continually occurring. The images, which seem to expand, become segmented and multi-layered, and it’d be better to say that multiple spaces have come to coexist without a clear center. Pictures incessantly visit us and distract us.

 

　The creation of these complex images is achieved with Nakayashiki’s various techniques. One of the most striking features is his use of masking tape. He applies masking tape to portions of the image and layers more paint on top. By daring to use highly transparent paints, the unique texture of the masking tape is revealed beyond the color, and we can feel an antagonistic layering of two kinds of things, color and material. Alternatively by using similar colors on the image, the colored surface of masking tape is juxtaposed with the colored surface of thin paint. The differences between the impressions brought out by the background colored surface seen through the masking tape, and seen through the paint, make us realize the diversity of our channels of perception, and that we are sensing multiple pieces of information, unconsciously tuning in each time. In addition, Nakayashiki removes some of the masking tape with paint on it. A zero zone, dating back to before the image’s creation, naturally appears, and at the same time, adjacent images on either side of this zero zone form independent spaces that aren’t necessarily on the same plane. Then, when this removed masking tape is applied to another point, the world that was there is instantly transferred to another place. In other words, space and time come and go freely, and coexist in a single picture.

　Nakayashiki is free with his lines, his handling of paint, and his selection of shapes. Instead of a paintbrush, masking tape forms lines. Some lines are drawn as if the paint has been squeezed out and placed directly onto the surface. Conversely there are lines created by scratching out the ground paint. He rotates thin, vigorous brush strokes in circular motion over flat color surfaces, or applies a thick coat in parts. Even though the painted forms may be drawn from memories of things, landscapes, and events seen, rather than the things themselves these are more like triggers for painting, something like gasoline.

　

　This is how I think with the completed works before me. How could he boldly layer this color on top of that color? How could he have applied such rough brush strokes and sticky paint to create such discrepancies? And while I think that, on the other hand, I wonder. Nakayashiki's paintings sometimes come exceedingly close to abjection yet just barely avoid collapse. Is this due to rationality, or is this being sought for while pausing to think clearly?

　Our perceptions are multifaceted. This is why Nakayashiki allows multiple elements to coexist in a single painting, so as to stimulate various perceptual possibilities. His paintings touch our emotions and intrude on our senses. It’s as much as to say that this breadth of sensitivity is what makes human beings interesting, and is also where what makes painting interesting can be found.